张可扬：主题美术创作的实践与思考

浅论当代乌兰牧骑主题美术创作

创造是艺术的生命，无论艺术发展到哪个阶段，创造美都是艺术带给人类的永恒价值。艺术家创造美，通常体现在他的具体的创作当中。欣赏一件艺术作品的时候，除了和谐的色彩、精湛的技巧、巧妙的构图以外，我们也关心艺术家的这些艺术手段要传达给我们什么样的主题。实际上艺术作品的主题一直伴随在画家创作的整个过程之中，当然这样的主题或许是艺术家个人的情感寄托，也可能是艺术家对周边生活以及所存在的社会环境的感官体验。当艺术家对个人经验的表达达到一定极限的时候，或者说不能够满足艺术家对生活的渴望和认知的时候，就需要从个体的创作惯性中跳出来，在作品中融入更多的集体经验和记忆，主题创作就可以很好地满足艺术家的这种表达欲望的转变。自古以来流传于世的，被人津津乐道或者是让人耳熟能详的艺术作品无外乎都是那个时代的主题创作，虽然艺术创作是极其个人化的艺术实践活动，但是艺术更重要的功能是供人欣赏，而这种欣赏不可能仅仅停留在个人的情感体验上，其实需要的是更广泛的欣赏群体的共鸣，因此主题美术创作一直以来就是艺术家难以回避的创作目标。

近年来，随着经济的发展和社会的进步，从国家层面来讲越来越需要艺术家创作出，更多地反映人民美好生活，在实现中国伟大复兴进程中，鼓舞人心、催人奋进的艺术作品来反映这个时代的变迁。主题美术创作是最直观地反映国家意识形态的艺术表达方式，每个人都不是独立存在的个体，尤其作为艺术家用艺术的目光观察生活，脑海中生成的各种碎片式的图像记忆，需要创作成艺术作品来释放，转化成凝固记忆的画面，从而给观者留下永恒经典的印象。

从我个人的创作实践历程来看，这是一个循序渐进的过程。长期生活、工作在内蒙古，民族题材创作一直是我的创作母题。早期的创作题材，集中在反映农牧区生活以及当地的风土人情，创作状态基本是一个旁观者的状态，对主题的描绘停留在模仿自然的状态，或者说是采用一种照搬的方式。2003年到2005年，受国家留学基金委公派赴俄罗斯留学，三年的时间把自己沉浸在冬宫、俄罗斯国家博物馆等艺术殿堂，深深地被那些从古至今令人过目难忘的艺术杰作所震撼。从达·芬奇到鲁本斯，从德拉克洛瓦到伦勃朗，从马奈到毕加索这些伟大的艺术家的原作成为今天回望人类过往的温暖记忆。伟大的俄罗斯巡回画派的作品，在我看来无论是从表达的技法，还是表现的主题都和我们当下所处的环境或者是习惯的表达方式非常接近，并能够产生强烈的共鸣。克拉姆斯科依、瓦斯涅佐夫、列宾、苏里科夫等等这些彰显俄罗斯民族精神的艺术家们的作品，对塑造俄罗斯的民族形象起到了至关重要的作用。每当回想起这些作品，再审视自己的作品，深感自己的创作视野过于狭窄，极其个人化的创作能给观者或者是后人留下什么样的印象？这种困扰一直伴随在左右，每到创作的时候，总是感觉自己格局太小，经常局限在所谓的艺术的形式语言探索当中不能自拔。创作的作品连自己都很难打动，谈何诞生脍炙人口的经典作品。

从俄罗斯回国以后，对现实主义有了更深层次的理解，开始让自己沉静下来，经常深入牧区去寻找首先能感动自己的鲜活的创作素材，但是希望越大，失望越多，猎奇式的采风收获甚微。创作陷入停滞状态，2008年，在清华大学王铁牛教授的力荐之下，我开始接触中共党史学会主办的党史题材的主题美术创作，随着王铁牛、戴士和、俞晓夫、谷刚等一批国内的油画大家，深入到贵州、广西、江苏、陕西等一批革命老区采风收集素材。在老一辈艺术家的指导下开始进行主题创作。通过研究历史资料、实地考察、草图会看、现场观摩等方式，对主题创作的全过程进行仔细地推敲，以艺术的表现为首要目标，主观营造历史场景，而不是对照片直接的拼凑描摹。相继完成了《喜峰口反扫荡》《蒙古族女英雄乌兰》《四渡赤水》等主题创作，逐步形成了自己的创作面貌。

2009年，由中宣部、文化部、财政部联合举办的“国家重大历史题材美术创作工程”在中国美术馆展出，这是为中华人民共和国成立60周年作出的重大的献礼工程，标志着国家主题美术创作全面铺开。2010年，在内蒙古党委宣传部、内蒙古文联主持下“内蒙古重大历史题材美术创作工程”拉开序幕。经过两年的创作历程，一百余幅主题美术创作作品在内蒙古美术馆展出。我的两幅作品，《草原儿女支援抗美援朝》《大沽口抗英》入选该工程。为了创作好这两幅作品，我分别赶赴草原牧区、天津大沽口炮台进行了深入的考察调研，获得了大量的一手资料，从历史环境、典型地貌以及当时的人物特征、服装样式、武器装备等等细节都做了详细的考证，保证了在创作过程当中历史画面的准确性，以及细节的真实性。在艺术的表达语言上，向大师学习的同时不断地锤炼自己的艺术表达语言，尽力摆脱历史画当中存在的照片化、戏剧化、拼凑化的通病，顺利地完成了创作任务。

六十年来，乌兰牧骑队员们，迎风雪、冒寒暑，为广大农牧民群众带来了精彩的文艺节目，也传达了党和国家的声音，成为全国文艺战线上的一面旗帜。以此为契机，内蒙古文联、内蒙古美协组织了“弘扬乌兰牧骑精神”美术创作工程。我数次跟随采风队伍深入到草原牧区中的乌兰牧骑，与队员们同吃、同住、同演出，去感受为人民服务的精神力量。通过一系列的体验生活，深刻地体会到，只有真正地到人民中间去，才能够创作出有生命、有活力，感动人的艺术精品。2019年，第十三届全国美展中，我的主题油画创作《我的乌兰牧骑》成功入选并成为唯一的内蒙古进京作品，并被中国美术馆收藏。这件作品的成功也代表着，我的乌兰牧骑主题创作走出了坚实的一步。这件作品在有限的尺幅里，容纳了翩翩起舞的舞者和马头琴演奏家以及周围围观的观众。利用透视法和分层的办法，将众多的人物巧妙地互相穿插在画面当中，现实中表演者与观众是有一定的距离的，很难将他们融入一幅画面当中，这就需要艺术家巧妙的布局。这样的构图，只有经过深思熟虑，反复推敲才能够形成经典的样式，而这种图式在生活当中并不是真实地存在，但是在观众的眼光中却达到了艺术的真实。

2019年，内蒙古文联，内蒙古美协再次组织了“红色百年内蒙古”美术创作工程，为即将到来的建党百年献礼。乌兰牧骑主题又成为我的创作目标。在原有的基础上，我再一次将画面的构图进行了提升，由于尺幅巨大，在画面的选择上借鉴了传统壁画的表现手法，沿着画面的水平线左右展开，使观众的视野豁然开朗，在古典绘画中，特别注重水平轴、横轴、纵轴的布局关系。在这幅创作中，我就利用了这种方法，两边的观众成为画面的横轴，中间耸立的舞者与后面的云层形成竖轴，前景的伴舞者伸向画外的手臂形成纵轴。通过这样的办法将画面布局有效地从平面提升为立体，使观众有一种步入画面的现场感受。同样，这样的画面形态在生活当中也是不存在的，经过艺术的处理以后，画面变成了生动的舞台，拉近了与观众的距离。这件作品在2021年举办的“永远跟党走”内蒙古主题美术创作工程展览中被评为优秀作品，并被内蒙古美术馆收藏。随后又刊登于《人民日报》《内蒙古日报》等主流媒体。这件作品的成功，代表着此类题材从传统的新闻图片式的表达角度，向主观化处理主题画面方式的转变。

在创作内蒙古建党百年工程的同时，我接到了中宣部、中国文联、中国美协主办的“不忘初心，继续前进”建党百年美术创作工程的创作任务《草原上的乌兰牧骑》，这幅巨型油画经过两年艰辛的创作最终圆满完成，受到业内专家的一致好评。画面中，远景是无边无际的草原与蓝天连成一线，美丽的草原风景和地平线横贯整个画面，使得整个画面气势恢宏，画面上方蜿蜒的河流和弯曲的小路有效地把远景延续到了近景。处于画面中央的女青年舞者，身着红色舞裙，与周围不同年龄层次的观众和稍远处的马头琴伴奏师，共同构成了一幅环抱式的构图，宛如剧场的舞台。表达出乌兰牧骑把社会主义文艺送到人民群众当中去的寓意，为了把视觉中心集中到一个点上，更加突出阳光下乌兰牧骑的舞姿，刻意强调色彩明暗的对比，把左右两侧的部分观众设计到了阴影中。画面正中央红色裙装的舞蹈演员成为一种精神的象征，象征着乌兰牧骑的红色精神。

画面右上方是观看乌兰牧骑演出的人民群众的场面，怀抱孩子的父亲、包着花头巾的蒙古族阿妈、坐着轮椅车的老奶奶，还有年轻的游客拿着照相机拍照留念，炎炎烈日丝毫没有影响草原人民观赏乌兰牧骑演出的渴望。几十年来，一代代乌兰牧骑队员以天为幕布，以地为舞台，为广大农牧民送去了欢乐和文明，传递了党的声音和关怀，无论时代怎样变迁，要让乌兰牧骑这面红色旗帜高高飘扬。在技法上，由于乌兰牧骑歌舞表现的特点，需要一种动感，需要一种旋律，所以除了人物造型强调翩翩起舞的动态以外，我在形式语言方面，尽量不限于局部描绘，运用大的笔触，流动的色彩来表现主题，让静止的画面充满了韵律感，通过跳跃的笔触，仿佛能够感受到画面中传来的优美音乐和动人的舞蹈，让观众看到画面，就有一种身临其境的现场感受。 

经过两年多的创作，《草原上的乌兰牧骑》终于圆满完成。2021年7月，在中国共产党建党百年之际，成功入选“不忘初心，继续前进”建党百年美术创作工程，在中国共产党历史展览馆隆重展出并被收藏。随后，作为党史题材创作的三件代表作品之一，刊发于2021年7月26日的《人民日报》，并荣列中宣部百集纪录片《美术作品中的党史》第80集。

长期的主题美术创作实践，为我的油画艺术创作提供了更广阔的舞台。从只是关注身边的小情小景，个体的喜怒哀乐逐步将目光放眼到社会，关注到国家。将个人的艺术追求，与国家的意识形态需要紧密结合。以更加广阔的视野，展现油画艺术的创作魅力。二十余年来，绝大部分主题创作都被国家级的美术馆、博物馆收藏，得到了观众、专家们的广泛认可，产生了良好的社会效益。通过主题创作实践，积累了丰富的创作经验，利用大尺幅的主题创作，提升了自己的创作水平，完善了自己的表现语言，形成了独特的个人风格。这所有的一切，得益于这个伟大的时代，带给艺术家更广阔地施展才华的舞台。我深刻地体会到，艺术创作绝不是关起门来自娱自乐，而是将自己融入火热的生活当中，到人民中间去寻找创作的灵感，为人民发声，为祖国喝彩。通过主题美术创作，弘扬“乌兰牧骑优良传统”“蒙古马精神”，聚焦全区重大事业的发展，深入挖掘“北疆文化”的形象符号，持续投身重大主题美术创作活动，努力创作出传得开、留得下的精品力作。

（文/张可扬）

主题油画创作形式语言与创作实践思考

油画的历史可以追溯到15世纪的荷兰，距今600余年的历史。中国人从接触油画至今也逾200年的历史。作为一种古老的艺术形式，延续至今的生命力，必然有他的生存之道。西方绘画的主要画种就是油画，在现代艺术中架上绘画也多指的是油画，关于油画的各种艺术流派、各种艺术理论、艺术批评文献汗牛充栋，油画背负着人类对于艺术的完美期待。随着时代的变迁，今天的油画家经常被误解为传统守旧、固步自封、将被AI技术发展逐步淘汰的一群顽固派。实际上油画只不过是一种绘画的材料，一种媒介而已，不必承担那么多的所谓的艺术的责任，重要的是其形式语言如何表达和创作实践如何呼应主题。诚如贡布里希所言：“这个世上本没有艺术这回事儿，只有艺术家。”

主题创作是油画艺术的重要内容，也是评判艺术家成功与否的重要标准之一。油画艺术发展到今天，依然具有旺盛的生命力和最充分的表现力，与其具有的社会价值和社会功能密不可分，在国家层面的重大美术创作工程当中，油画依然是最为重要的表现形式。这与油画丰富的艺术语言及其独有的画面质感紧密相关。从全国重要的综合性艺术展览中，可以看到油画始终是参展人数最多的艺术门类，这种现象从另一个角度证明，油画的市场依然庞大。从全世界范围来讲，传统的油画无论是从学院的角度还是从市场的角度，都已不再是主流。唯独在中国，传统的现实主义油画依然占据重要的地位。

以中国美术家协会为代表的国家美术体系有庞大的油画创作队伍，近些年来相继举办了多次国家级主题美术创作工程，各个省也同步开展了为数众多的主题美术创作展览，推出了大批的精品力作。正是因为有这种体系的保障，成为当今世界少有的从国家层面推动主题油画创作的良好局面，使得中国油画在主题美术创作方面才有了长足的进步，同时也为主题油画创作提出了更高的要求，要求艺术家守正创新，关注现实生活、深入现实生活、尊重现实生活、反映现实生活、引领现实生活。主题美术创作，通过认识人类美术发展的进程与图像叙事的基本原则，让我们对再现性的绘画和造型美术的本体规律有了一个新的认识，因此，主题油画创作的主题如何确立？形式语言有哪些特征？创作实践如何形成？成为一件主题油画作品成败与否的关键。

一、主题油画创作中的主题确立

什么是绘画的主题？主题并不是简单的一个口号，或是一个固定化的样式。实际上主题可大可小，可以是重大的历史事件、重要的历史人物，也可以是一个特定时期的一个微小的事件，甚至是一种情绪，都可以形成画面的主题。主题并不是一张现成的照片翻版成油画，而是在绘画巧妙的构图中营造出一种画面的情感，或者是一种关系。画家并不单纯就是画画，实际上画家更像是一名导演，他在画布上要确立典型环境、确立主要演员、群众演员以及服装、道具、还要研究天气状况、地理环境、人文历史等等，都是他要考虑的内容。把这些内容综合在一幅画面里面，就需要画家具有超强的综合把控能力。这些细节、这些过程只有画家自己才能够把握，评论家们往往看到的是画面最终的结果，通过结果对画面进行表层的分析，而作画过程的前期设计、画面细节控制、画面趣味点的打造，也就是画眼在哪里，评论家无论如何也是猜测不到的，或者说是分析不准确的。德国哲学家海德格尔认为，艺术作品的真理和美的显现是通过建立一个世界达到的，这就是艺术创造的动态过程，艺术品的创造实际上就是克服物质存在的物性，把它带入人的世界从而呈现自身的意义，而这一切只能靠画家自己来完成。

主题创作并不是凭空想象出来的，而是受到了大量的经典艺术作品的影响。艺术家并非凭空创造自己的作品。他必定存在于意识的某一个发展阶段曾经见到过的典型的艺术图式，在后期的艺术创作过程当中对艺术家有潜移默化的影响，而艺术家通过自己的理解，最终转化到自己的画面当中，形成自己所期望的主题创作。主题创作的图像在创作初期，往往在画家的心中有一种模糊的印象，这种印象来自已有经典作品图示和自身认识的组合。这种组合在现实当中是不存在的，我们也可以说创作就是一种虚假的真实。观者看到的是一个真实的场景，实际上这个场景只存在于画家的心中。很多画家在做主题创作的时候，最大的困扰就是找不到一张像画一样的现成的素材来进行描绘，即使找到了也会让观者直接看出来是描摹了一张现成的照片，而这种创作是拼凑出来的、是牵强的、是没有灵魂的。成功的艺术家可以将画面其中的一切成分，服从一个主要的结构规律，在完成这些步骤的同时，将各种不同的事物相互比较，使它们的差别性更加清晰地显示出来。布拉克曾经说过：“把一个柠檬放在一个橘子旁边，他们便不再是一个柠檬和一个橘子，而是变成了水果。”画家的能力就是把并不相关的人或物，让他们产生关联，形成一幅看似真实和谐的场景。正如美国心理学家阿恩海姆所说：“在一件完整的艺术品中，每一个组成部分都是为了表现主题思想服务的，因为存在的本质最终是由主题体现出来的，即使作品看上去似乎完全是由中性的物体排列起来的，我们也能从中发现象征性。”

艺术的任务在于用感性形象来表现理念，以供直接观照而不是用思想和纯粹心灵的形式来表现，因为艺术表现的价值和意义在于理念和形象两方面的协调和统一，所以艺术在符合艺术概念的实际作品中，所达到的高度和优点，就要取决于理念与形象能互相融合而成为统一体的程度。主题创作实际是在画面中编造一种关系。通过这种关系来传达一种情绪。或者是一种氛围，而这种情绪或者氛围被观众感同身受以后，主题也就凸显出来了。这也是当下主题创作有别于早期过于直白的主题创作的一个根本特征。德国哲学家黑格尔认为：“艺术的内容就是理念，艺术的形式就是诉诸感官的形象，要把这两方面调和成为一种自由的统一的整体，经过艺术表现的内容，必须在本质上适合于这种表现，否则只会得到一种很坏的拼凑。”

二、主题油画创作中的形式语言

绘画形式语言的可持续性，体现在对造型的个人语言方式的探索与坚守，现代绘画当下的卡通画色彩构成，实际上是把绘画简单化、快餐化的一种误导。同时对绘画的污名化、形式语言的幼稚化，成为个体情绪化对自身不自信的逃避借口。实际上，绘画是有门槛的，是严肃地深入研究探索的结果，这个门槛就是个人的成熟语言特征的形成。主题创作虽然描绘的是自然世界和社会景象，但是艺术家要做到在他的画面当中，形式与自然没有任何共同之处，其才能成为一名创造者，而这种独特性的特征就是形式语言的魅力。马列维奇认为：“艺术是一种构造能力，不在于形式和色彩的互相关系，不在于一种构图中美感的审美标准，而在于重量、速度和运动的方向的条件形式必须给予独立存在的生命和权利。”离生活的形式越近，离艺术的形式就越远，这也就是可以理解为好的艺术作品能看得懂，但却不知道画家是怎么画出来的。形式语言是由需要表达的情感所决定的，而情感则是对周围形式与色彩的一种感性的反应。随之而来的是在创作过程中的一系列直觉冲动。这种直觉冲动又由智力依据个人对绝对形式美的欣赏来加以分类，这种被创造出来的形式就会传达所谓的“精确的情感意义”的东西，当这种情感被观者感受到，画家的目的就达到了，因此真正的艺术中内容和形式永远是相互拥抱融为一体的。

美国批评家克莱门特·格林伯格说：“最完整的现代绘画是具有最抽象的统一性，以及对媒介有着最直接的认知的绘画，是消解了中心的、复调的、满幅的绘画。”对格林伯格来说，现代绘画消解了西方传统架上绘画，这种绘画总是使装饰性臣服于戏剧性效果，而这就是现代绘画的历史意义，意味着当代艺术弱化或者脱离了传统绘画戏剧性的表达，而是以纯粹装饰性的画面取而代之，中国的当代艺术也是沿着这条线一路而来。随着国内社会的平稳发展繁荣，初级阶段矛盾不再剧烈，情怀不再激昂，当代艺术也逐渐失去了它的激进，随着多媒体的迅猛发展，当代艺术的先锋性逐步丧失。艺术重新回到平和，重新回到形式，再次回到格林伯格所说的装饰性绘画的原点。从各大私人美术馆、画廊以及艺术博览会可以看到，今天的当代艺术基本上就是装饰画的天下。这里没有褒贬之义，只是说回到了当代艺术原有的基本样式，最自主的抽象和现代主义的图画就是装饰画，装饰画成为纯粹表面的绘画。中西方艺术各有各的特点，中国艺术强调的是，淡雅脱俗的平面装饰，西方艺术强调的是色彩绚丽的真实透视。马蒂斯是装饰性绘画的辩证转换中的领袖，事实上正是由于他的存在，装饰性一词才不带有贬义。马蒂斯说：“为了一种更抽象，更纯粹和更抚慰人的效果，通过对其母题的扁平化和概括化使装饰性转而反对其自身。”随着艺术边界的融合跨界，中国传统艺术的平面装饰性对油画艺术的影响愈发深远，中国的现实主义主题绘画与当代艺术发展的界限也越来越模糊，主题油画创作的形式语言探索也显示出了这些显著特征，也验证了马蒂斯的观点是正确的。

今天的油画艺术语言由传统走向现代，总体而言弱化光影和透视，强调平面与结构成为主流，作为图像时代的油画艺术，要更加注重图像的交叠互映，而不是单一图像的呈现。这一切从一些基本特征可以露出端倪，比如说形象边缘的不确定性、造型主体的含糊性，与环境的穿插混杂，都形成一种新的语言方式。图像永远体现的是一种过程，状态不断变化，而不是终结。这一点的最终体现我们可以通过一个简单的例子来说明问题，我们随手翻阅几本艺术杂志，快速地翻阅会给我们不同的审美体验。如果是国画杂志，因为国画基本上为单色作品，因此翻阅的过程视觉非常的舒适、和谐，不跳跃，当翻阅一本当代艺术的杂志的时候，因为颜色大多是单纯鲜艳的大色块居多，因此翻阅起来视觉是欢快、跳跃，赏心悦目的，唯独翻阅传统的学院派现实主义作品的杂志的时候，因为其内容、色彩相对来说比较复杂因此快速翻越的过程，往往是视觉效果混杂，无迹可寻，总有中断，难以给人一种轻松愉悦的感觉，视觉体验是凌乱的。因此给我们一种启示，传统现实主义绘画的画面质感需要进行整合、提炼、概括，尽量将形式语言简化，强调画面的整体性。

德国艺术家马克斯·利伯曼有一句名言，画得好的白菜比画得差的圣母更有价值，反之一幅精美的圣母像所能取得的成就，任白菜画得再精美也望尘莫及。毋庸置疑，绘画的水准是评判一幅画价值高低的标准。形象和绘画水准分属于两个不同的领域各有各的价值谁也无法取代另一方。艺术总是向人们呈现出两副面孔，而人们则在这两副面孔间摇摆不定，有时人们视艺术为感官游戏的华彩，自给自足同现实没有任何瓜葛，有时艺术又被视为现实的倒影，同人的体验有着千丝万缕的联系，从而帮助人们感受和理解现实对现实作出评判。

艺术反映现实一向如此，它同现实的关系灵活多变，距离时远时近。一方面艺术要远离现实才能存在，另一方面它又包含于现实之中，艺术不单反映现实，更不断指向所反映的真理，但凡本真的艺术就必然指向现实，不少重要的艺术更是直接讨论人的存在。坦然面对人生的种种真实难题和任务，这样的艺术才更有价值。

三、主题油画创作中的绘画实践

从油画艺术传入中国发展至今，油画的形式语言发生了巨大的变化，从每年举行的全国性的油画大展当中，可以看到中国的油画形式语言在不断地创新，油画的表达方式多种多样，越来越多地融入了中国人的审美特征，逐步摆脱了西方传统油画的固有模式，力求拓展油画的表达极限。

从早期模仿西方油画，诸如古典主义、印象派、苏俄时期的巡回画派等至今，中国油画在主题油画创作的绘画实践方面结合了诸多艺术流派的语言特征，逐步融合中国本土的国画中的写意语言，使这一舶来画种在中国开枝散叶。从另一个层面讲，中国油画的发展也特别像中国社会经济发展的模式，类似高铁、新能源汽车的弯道超车，西方古典油画被认为是油画的范本，中国油画巧妙地避开了这种费时费力的罩染传统语言，而开辟了另一个赛道，在表现主义和写意风格形式语言探索方面异军突起，这一点在当前的主流油画展览中作品的语境当中可以清晰地看到，从视觉效果上来讲，主题创作以具象表现为主，以现实主义题材居多，占据着学院教学的主流以及官方主题美术创作阵地。

英国艺术批评家沃林格认为：“现实主义艺术是人类需要在自然中得以客观化的自我享受的产物，而抽象则是人类想要在艰难而又令人受挫的自然面前确立独立与稳定的价值的产物。”现代画家的艺术作品，需要同时具有两种功能，即便作品对现实的再现带有至为强烈的政治或者道德偏见，一样可被视为纯粹的艺术，有着纯粹的形式结构。当然前提是作品本身在审美上确实有所建树，另外作品无论多孤立怪癖，甚至作者本人根本就没有任何实用目标，一样具有社会批判的潜力。艺术要呈现出自己的特质，完成种种功能，其总的前提就是要有成功的形式安排，而这种形式要引人入胜，技巧要接近于完美，艺术效果具有其审美门槛或者说形式底线，唯有跨过门槛越过底线，作品才能跻身于艺术之林。

画家何以为艺术家，并不是因为他们描绘了什么、力推了什么、褒扬了什么，而是在于他们描绘、力推、褒扬的具体方式，然而要成为一名艺术家这就要看他准备为什么而奋斗，又准备为什么而施展自己的才华。一幅画面的成功与否，最重要的是映入眼帘的是不是一幅画，而不是首先看到画的是什么。因此尽管是主题创作，依然要做到一幅画面的主要的色彩关系主张是什么？画面的主要结构如何撑起整个画面？明明我们看到的是一个真实的场景，或者是一些真实人物的关系，但是这个色彩关系一定不是真实自然的色彩关系，而是画家主观处理的结果。这种明确的色彩关系往往不是孤立存在的，是为了观众对于画面的第一印象而提前设定好的。在造型的表达上要含糊、似是而非，不要一眼看上去的准确。所有的立体关系都相对弱化到平面的装饰语言中来，这所有的一切也是当代艺术的发展趋势。意大利作家乔凡尼·莫雷利认为：艺术家作品形成之前，理念存在于艺术家的心灵中。美术史家应该领会探索和解释这种理念，对艺术的真正知识，只能靠对形式和技法的连续的不知疲倦地研究获得。

艺术家把控画面，对于构成画面主体封闭的形状要进行破形，这样才能够形成类似于电脑软件Photoshop的图层的概念。在画面当中不依靠明暗透视法就可以形成前后的关系，这就是绘画图层的作用，这样可以有效地避免画面照片化的问题，将绘画的形式感作为主题创作艺术效果的最主要的关注点，将提升主题创作的艺术魅力和档次。创作过程给我们的启示也很多，比如说画面的黑白灰的构成价值高于全色相的价值，其次画面始终要给人一种未完成的相对不完整的感觉，可以使观者有品味的余地，避免面面俱到。第三，绘画要强调一种不确定性，笔触的刻意夸张，视线的无意引导，局部的抽象表现等等，让观者有更多的想象空间和欣赏的出其不意。这些问题对于画面的形成非常重要。再有在画面当中，无论是大的结构关系，还是小的形体塑造都要做到点到为止，适可而止，这种状态是画面高级与否的一个重要特征。

我们经常可以听到这样的声音，艺术是艺术家个人的事情。表达的是艺术家个人的情感以及对生活对社会环境的态度，是极其自我的表达方式。但是在今天这样的一个全球化的时代，自我封闭是不可能的。我们时时刻刻跟这个时代，跟我们生活的环境以及我们的国家有着密不可分的关系，因此主题美术创作实际上就是对艺术家提出的更高的要求，就是对油画艺术语言的不断完善。

结语

当下的中国主题美术创作，既反映国家意识形态，也关注人民幸福生活，承载着的是艺术家的社会责任。从画家的角度来讲，要避免在创作中直白的“看图说话”，简单的“图片拼凑”，为了主题而忽略艺术的倾向，而是真正地把主题美术创作的理念提炼为画家内心的创作指引，遵循艺术的创作规律，同时在绘画的形式语言方面，深入研究表达方式的时代性特征，强调主题美术创作的与时俱进，力求避免同质化、概念化的创作模式，将艺术理念与形式语言完美地结合。在世界各大博物馆所陈列的经典名作，绝大部分都是那个时代的主题美术创作。中国作为世界大国必然要承担起他应有的责任，发出他的声音。这种担当需要油画艺术作为主题美术创作，起到它应有的作用。近些年来国家层面上举办的大型主题美术创作工程越来越多，艺术家创作的首要价值就是要和国家的发展紧密结合，而主题创作为政治服务的基本特征也依然是艺术家必然关注的焦点，因此当我们在谈到主题油画创作的时候，应该更多地把个人的艺术追求与国家的宏大叙事相结合，只有这样才能够创作出更多接地气、留得下、传得开的经典作品，从高原迈向高峰。

参考文献：

1.[英]E.H.贡布里希：《艺术的故事》，广西美术出版社，2018年版。

2.[德]威廉·沃林格：《抽象与移情》，金城出版社，2019年版。

3.[美]克莱门特·格林伯格：《艺术与文化》，广西师范大学出版社，2015年版。

4.[美]鲁道夫·阿恩海姆：《艺术与视知觉》，四川人民出版社，1998年版。

5.[匈]阿诺尔德·豪泽尔：《艺术社会史》，商务印书馆，2020年版。

6.[德]马丁·海德格尔：《林中路》，上海译文出版社，2008年版。

7.[美]苏珊·朗格：《情感与形式》，中国社会科学出版社，1986年版。

8.[英]克莱夫·贝尔：《艺术》，中国文联出版社，2015年版。

9. [法]丹纳：《艺术哲学》，天津人民出版社，2020年版。

10.郁火星：《西方艺术史经典文选》，东南大学出版社，2023年版。

（文/张可扬）

 作品获奖

《布里亚特黄昏的邂逅》荣获第十一届全国美展获奖提名；

《布利亚特的幸福家园》入选第十二届全国美展；

《同一个梦想》入选第十四届全国美展；

《中秋》《额吉的奶牛》荣获第一、三届挖掘·发现--中国油画新人展优秀奖；

《祝福的男人们》获第四届十佳作品奖；

《阿布的草原》荣获最绘画--第三届中国青年油画作品展十佳作品奖；

《巴尔虎的丰收年》荣获首届深圳大芬国际油画双年展十佳作品奖；

《梦·江南》荣获江南如画--2019中国油画作品展“颜文樑艺术奖”；

《草原晨曲》荣获大路西行--第二届中国油画作品展(2021年)优秀作品奖；

《我的乌兰牧骑》荣获第十三届全国美展进京作品；

《妈妈的味道》荣获第十四届全国美展进京作品；

2021年《草原上的乌兰牧骑》入选中宣部“不忘初心，继续前进”建党百年美术创作工程；

2022年《草原深处党旗红》入选中宣部“筑梦-我们的新时代美术作品展”；

2023年《草原上的“微”生活》入选中国美协主办“丝绸之路杰出艺术作品展”并在联合国教科文组织总部展出；

2024年两幅作品入选中国文联，中国美协主办“光辉历程—时代丹青”庆祝中华人民共和国成立75周年主题美术作品展览；

2024年完成中宣部、中国文联国家主题创作工程《国泰民安》。

各类证书

《草原上的乌兰牧骑》（油画）入选证书

萨日纳奖荣誉证书

内蒙古美术奖荣誉证书

《我的乌兰牧骑》入选证书

作品发表

（来源：内蒙古文艺）

作者简介

张可扬，内蒙古师范大学美术学院油画系教授，博士生导师。中国美术家协会民族美术艺术委员会委员。中国油画学会会员，中国壁画学会会员，内蒙古美术家协会油画艺术委员会主任，内蒙古油画学会副主席。曾获内蒙古自治区级美展金奖11项、银奖7项，70余次入选国家级美展。2018年获评为“第三届内蒙古自治区中青年德艺双馨文艺工作者”，2019年荣获“中国油画学会颜文樑艺术奖”，2020年荣获“内蒙古美术奖”，2016年、2022年两次获批国家艺术基金美术创作项目，2024年获评国家艺术基金美术创作优秀项目。2013年、2023年两次获得内蒙古自治区政府艺术创作最高奖“萨日纳奖”。中国文联首批全国中青年文艺领军人才。