【岜莎汉子】
245cm×244cm 纸本水墨 2021年
【大地铁-早高峰】
178cm×288cm 纸本水墨 2023年
【呵】
178cm×288cm 纸本水墨 2023年
随笔
对画家而言，“经验”和“习惯”往往是发现事物本质的最大障碍，尽管有时会很有效，但“经验”会抵触你对事物的鲜活感受，“习惯”将使你的表达变得概念和僵化，“经验”的滥用是思想懒惰与精神麻木的开始。画家当以怀疑的眼光看待一切事物，哪怕是你最熟悉或者已经画了数遍的东西，怀疑是探究和发现事物本质的有效方法。
对绘画材料的限制或对某种形式因素的自我约束是提升艺术表现力的有效策略，因为“有限性”会激发一个人的创造潜质。当画家受到某种限制而被逼入“绝境”，其内心会激发出强烈的“求生”欲望，思维将变得异常活跃。对材料或手段的限制，会迫使你去研究事物的本质，而不是刻意在那些与本质无关的形式花样上浪费时间。艺术家要善于发挥“限制”的张力，最好把自己“逼入墙角”，然后再绝地反击。“限制”也是纯化个性语言的有效手段。
伟大的作品都是在艺术家面临精神崩溃或灵魂震颤的那一刻诞生的。绘画纯属一种精神行为，绘画的过程是画家对自我灵魂的剖析、塑造与升华。看事物的角度往往比表现事物的方法更重要，独特的视角必然产生独特的方法。一幅作品最为核心的东西既不是形式问题也不是内容问题，而是一种精神需要，是一种生命状态。这种东西是任何语言都难以描述的，因此，断不可用概念和逻辑的方法进行推论。
【大鱼】
40cm×70cm 纸本水墨 2017年
找出这个时代的问题，是推进艺术进步的关键因素。没有问题就不会有方向，没有方向就不会有创造的激情和才能的显露。水墨之妙在于它的偶然性和不可重复性，虽千变万化而浑然为一，自由与放任之快感，并以无限的可能创造奇迹。掌控水墨的关键在于控制和疏导自己的内心。心“活”了笔墨自然“活”起来。笔性墨性即人心人性。笔墨运用的过程既是塑造形象的过程，也是内心修炼的过程。
每次创作都是一种生命的全新体验，因为，你不知道下一步要发生什么，灵感随时出现，需要你瞬间做出判断并即刻把握。观察不是对事物的验证，而是认识和发现，是以陌生和怀疑的眼光审视。将复杂的问题简约化，然后再往深度挖掘。笔笔见形，方可笔笔见性。画家要敢于在画面中制造矛盾，大乱方能大治，无大乱则无以大治。乱中取胜，乃为高手。
作品最重要的还是要表达“真实”，要对着自己内心说点真话，虚情假意毫无价值，而且看起来总是显得尴尬，难与观众共鸣。若只陶醉在自恋式的个人意念妄想中，而不去触动现实中最为真实的一面，那就永远难以触及艺术的本质。画画不过是借题发挥，努力把自己内心的真实感受表达出来。艺术家的工作即是将自己的心灵与外物之间建立某种特殊关系。画画就是在纸上留下我们思考的痕迹，这是一种生命的痕迹，情感的痕迹，思想的痕迹。只有随心所欲，无所顾忌，才能将“真我”表达得淋漓尽致。
【浮】
140cm×70cm 纸本水墨 2016年
画画的时候是非常简单的，简单到只关注自己的内心。实际上，我们的内心在绝大部分时间是被世俗功利所覆盖、遮蔽的。面对画面能够敞开心扉，说点自己想说的话，做到这一点就可以了。我所要表达的，是人类之欲望极度膨胀之后的冷漠与麻木，是人性的堕落。真实而大胆地揭露人性问题是当代艺术家的一种责任。绘画是一种生命体验，是画家对某一形象不断进行肯定、否定、再肯定、再否定，以至于破坏与重构、毁灭与再生的记录过程。
在此期间，画面中的所有笔痕、线条、墨迹都是画家内心情感的直接袒露。因此，去掉那些为满足作品的“完整性”而进行的过分修饰，从而产生直接而震撼的视觉力量。不可过多纠缠于笔墨趣味问题，艺术家精神品质与生命境界的提升方是解决笔墨境界的唯一途径。绘画之道在于“放”，因放而超拔世俗，因放而自由畅达，因放而坚定有力，因放而真实，因放而深邃，因放而纯粹，因放而震撼。绘画之技在于“收”，收得住，方可成体统，方可凝练沉着，纯熟老到，因收得住而意味悠远，铸就历史。一放一收，方得真趣。
实际上，线条、笔墨、结构、体积、色彩等这些最基本的绘画元素所构成的形式意味，远远高于我们的描述，因为最本质最深邃的东西就隐含其中。遗憾的是很多人只是简单地用来搭配和描述。绘画过程是一种心灵“开悟”的过程，而心灵“开悟”绝非一个人的苦思冥想，它应该是在不断获得并积累行为经验之基础上的瞬间觉醒。没有什么比心灵自由更重要的了，心灵越是自由，你所获得的创造能量和空间就越大。
【背】
191cm×80cm 纸本水墨 2019年
能够把一个普通形象塑造得令人刻骨铭心，这才是好的艺术。朴素的尖锐，平凡的深刻，混乱的秩序，隐没的扩张，沉静的爆发，虚淡的厚重，艺术，就是要在矛盾对立中探寻情感与思想的引爆点。某种角度说，艺术语言的精致与完美是精神萎缩与僵化的开始，因为，它将自由活泼的创作过程变得谨小慎微。人一旦追求完美，便会失去胆识与魄力。残缺、磨灭的“不完美”，才能使艺术传递出最为鲜活的生命气息。
人，一个被异化的灵魂，犹如影子般在虚构的幻象中孤独地晃动、流浪，一切必将“虚无”，在恍惚中泯灭。请相信自己的直觉，艺术，只有直觉才是最真实且最准确的。当我们一旦用理智导入逻辑判断，那就意味着精神的消失。笔墨，越单纯越有表现力。我的画是在强调形体的流变性、不确定性，表现一个“活”的有“灵魂”的人物形态和“动”的场面。好作品都是给观众留有充分的想象余地的。你想要表达的东西越多，作品所给予观众的感受和想象的空间就越小。你都把话说尽了，还要观众看什么？
绘画，务求清高孤傲之气象，刚健朴拙之情怀，幽冥深邃之境界。作品的“趣味性”本是好，但绝不可堕入小情小趣，不可媚俗甜腻，不可浑浊迷乱，不可扭捏造作，不可怪诞荒野。艺术家要有大格局、大气象，要追求“大趣味”。何为“大趣味”？即刚毅霸悍之趣，凝重朴厚之趣，豪迈悲壮之趣，古雅内敛之趣，深邃悠远之气……“大趣味”要撼人魂魄，使人精神振奋、情绪激扬、生命勃发。对自我之生命境界的提升是实现笔墨“大趣味”的最主要路径。
个性，如果刻意彰显，就会显得装腔作势。当代艺术探索，需要凝神静气，要有深远而广阔的历史视野，要回归对本质问题的探讨，要有逻辑维度。以“草稿”的方式呈现，让思想活跃起来，使灵魂焕发光芒。思想的锐智是在永远无法预知的过程中发光。释放一种原始般的狂野与奔放，使人物形象具有宗教般的魔力，以唤醒人们对现代文明的深刻反思与批判。
【画室里的模特】
140cm×70cm 纸本水墨 2019年
反程式化用笔，求不确定性、随机性，释放水墨之本性。一定要强调对形体的主观改造，要“大化”形体，使笔墨游离于有形与无形之间，形最为要，笔墨次之，在“无法”中求得笔墨与形体的浑然化一。笔墨无好坏、无是非，一切笔痕墨迹都是真实的情感流露。“体量感”并非西方绘画的专利，水墨也可以做得很好，甚至比西方做得更好。“写意性”依然是当代水墨的根本，失掉“写意性”，也就丧失了水墨的本性和优势。实际上，当代水墨对于笔墨精神的捍卫更具挑战性，因为你所面对的是强大的中国传统和西方绘画。
一个变了质的“城市文明”已经不足以反映人类的灵性。中国文化之灵魂在民间，在那些最朴素、最真切的百姓日常行为与生存环境中。一定要跳出“圈子”看问题，跳出“潮流”看问题，跳出“当代”看问题，跳出“专业”看问题，跳出“自我”看问题。断不可被“专业”或“正统”所绑架，广纳博采是“自我”证验的最好土壤。灵感的瞬间稍纵即逝，如何有效地把握，关键取决于画家的情绪和状态，内心的充实与自信，比技巧手法的娴熟更重要。
要大刀阔斧地概括和简化形体，任何细节都不重要。只有被简化或被改变了的形体，才能获得笔墨表现的最大自由。沉静质朴、自然浑化，当为艺术的最高境界。要时刻保持内心的真诚与朴素，“拙”与“真”是绘画艺术最宝贵的精神品质。坚持对笔墨本性的探索依然是当代水墨艺术最有价值的学术方向之一。其核心价值主要体现在水墨表现的思想深度与生命境界，体现在艺术家对现实社会人的生存状态以及对当代人性问题的反思与批判。
【恍惚】
91cm×80cm 纸本水墨 2022年
画家面对物象，要画你感觉中的东西，而非所见物象之本身。我们的眼睛所见大都只是表象抑或假象，其本质往往隐含在表象背后的复杂关系中。每人之所见因角度不同而产生不同的感觉并形成不同的理解，从而产生艺术的个性差异，绘画的魅力就在于此。艺术家就是要通过观察、感受，窥探并揭示隐藏在现象背后的那个秘密。感觉是有穿透力的，有超越现象的魔力，但很多并未发现，甚至没有觉悟感觉的能力。
当下，我们本不处在前卫的焦点，真实、朴素的生活感受和生命情怀更有说服力，那些平实的朴素的东西，更能承载我们内心的真诚。人的最高境界，一曰“静”，二曰“简”。沉静内敛，以静制动，以简制繁，以少胜多，以小见大，以一当十。当代水墨探索，其本质不是一个样式问题，而是一个思想观念问题，是艺术家对生活的理解和对现实社会的态度问题，这也决定着你的作品的真正价值。水墨说到底也只是一种表达的形式和手段。仅在水墨材料和形式上的花样翻新，终不会有满意的结果。运用最基本的最朴素的形式元素，更容易接近本质。对形式的夸饰和对技巧的炫耀，是一种精神空乏的表现。
坚持和探索以客观形象为依托的笔墨表现力的扩张，立足于对物质世界的精神体验和特殊表达。所谓“笔性、墨性”，终究还是人性，是画家自我性情的体现。因此，笔墨的运用一定要任性、自然，要把画家的感受和性情融入其中，这样的笔墨才有“灵魂”。画画要经常地回到起点、回到传统、回到自然、回到社会现实。倘若远离自然，淡化生活感受，回避对现实问题的思考，你的探索将会逐渐迷失方向、迷失自我。
所谓“大写意”，其质在“意”，其势在“写”，其气在“大”。所谓“意”，是指寓意之深邃，精神之超拔，格调之高古；所谓“写”，即笔墨之奔放，线条之稳健，气韵之饱满；所谓“大”，即造型之简括，气象之雄浑，境界之苍茫。笔墨，作为中国传统写意画最重要的语言特征，其中蕴含着深刻的哲学内涵与形式逻辑。因此，笔墨的运用绝非只是线条和墨色的简单堆积、信手涂抹。笔的抑扬顿挫、墨的浓淡干湿，必须统一在一个整体的笔墨结构与笔墨秩序中，方能形成浑然化一的整体气象。
“笔墨结构”是指一种笔墨关系，这种关系并非单个元素的简单排列，而是笔与墨的各种因素相互融合默契的、有情感意味的“活”的关系，是一种既坚实又虚幻、既稳定又变化的关系。对于人物形象的观察和把握，不应仅仅是它外在的形状特征和空间位置，更应感觉到作为一种生命物质的流变性与不确定性，以及真实与虚幻的相互转换关系。画家的任务就是要不断揭示事物变化的内在逻辑。我不认为水墨中的黑白与色彩有什么本质上的区别，我们将其称之为“墨色”，即色也是墨，墨也是色，墨色交融，浑然化一。水墨中的黑白关系不是单纯的形式问题，也是哲学问题。
从单纯的黑白两种元素的归纳中建构独特的视觉空间，将黑、白视为两个相互对抗的空间力量，探索两者之间的相互作用所形成的牢不可破的形式关系。探索中的失败、挣扎与痛苦的体验，是自我蜕变、自我升华与自我塑造的强大动力，也必将成就你思想的深刻。观察生活的角度比表现生活的方法更重要，独特的视角造就独特的方法。要善于捕捉生活中最真实、最鲜活生动的那一瞬间。
【老二】
140cm×70cm 纸本水墨 2018年
曹宝泉作为从学院里边走出来的画家，与同时期很多学院画家一样思考中国画在现代社会的转型与发展问题。我发现他从来不对立地看待传统与当代的问题，这是当前很多画家做不到的。他曾经说过“我从来都没有排斥过传统。传统好比土壤和水，实际上我们一刻也离不开她”。这种不排斥不是依赖，而是在传承的基础上跨越传统。他作为人物画家，也并没有过分强调“观念性”从而失去了作品的“艺术性”。对中国画“传统”及“当代性”的开放认识使他的作品在具备表达性的同时，又不失笔墨精神和时代气象。
以当代人物作为主要表现对象的画家不可避免都会牵扯到观念表达问题。曹宝泉多以普通民众作为表现对象，关注他们在当代社会中的精神状态。在他的作品中，往往不增加复杂的空间背景，即使有也是采用虚化的处理方法，藉此反衬人物形象。无论是他的素描作品，还是水墨作品，都能看到他采用了简化的处理手法，来强调他对形象的真实的直观感觉。用传统一点的术语，我们可以讲曹宝泉是写意人物画家，他强调人物的“意象性”特征。用当代一点的术语，我们可以讲他是表现主义画家，他想尽量抛弃理性因素，用视觉触发的瞬间体验来表达对人物的“第一感”。我们似乎能够从他的作品中看到视觉在物象上流动的痕迹。他会在某一个局部着意，让其变得细腻而丰富，他也会在某一局部留白，让其变得混沌与粗放。这种有意取舍的处理方式，再加上墨色浓淡变化及黑白对比，使画面呈现出了既有强烈视觉冲击力，同时又不失细节和趣味的艺术样式。
古人云“惟精惟一，允执厥中”，只要能够不断陶冶性情、滋养笔墨，所有诸如传统与当代、观念与语言之类的思考皆会自然渗透与内化到人的精神世界里，借助眼见物象的一瞬，笔碰画纸的一秒，表现出外在景物在自我心境中的真实关照。曹宝泉作品中反映出的这种“瞬间观感”“直觉体验”，不正是中国传统艺术精神中“解衣盘礴”“澄怀味象”的当代性阐释吗？
（文/赵盼超，摘自《传统与当代的沟通与跨越》）
【囚者】
91cm×80cm 纸本水墨 2022年
【吸烟的人】
140cm×70cm 纸本水墨 2020年
曹宝泉的水墨肖像和人体作品，你会有一种来自心灵深处的共鸣和震撼，它仿佛帮你找回了失落已久的纯真，其隐喻了的肖像，粗率而放纵。层层叠加的笔触和酣畅淋漓的墨韵，显示了一种强烈的震撼力。要读懂这些作品，你就有必要和他面对面地交流、碰撞和对话，否则你将难以把握。1988年毕业于浙江美术学院国画系人物专业的曹宝泉，典型的北方汉子，朴实、坦荡而又不失敏锐。他以其独特的观物感物方式和开放的艺术观念，不断拓展水墨人物画的表现语境，在当今水墨人物画领域可谓独树一帜。
曹宝泉作品的视觉语言既尖锐又真实。其笔下的人物肖像，显现着某种真实与虚幻的双重感受。他力求纯粹、简洁，甚至不惜隐去五官特征，凭借着某种不可名状的内在真实来打动观者，正可谓达到了一种“全不似处，不易得耳”的艺术境界。他一方面在诉说着自己的真情实感，一方面更加关注现实，直面人性。尤其是那些规则和不规则形式完成的作品，看似随意涂抹的线条却经得起细读和细品。让我们看到了画家将抽象表现主义对绘画形式的探索扩展到水墨人物领域，他充分调动了水墨的一切表现语素，不仅显示了一种原始的张力和强悍，更暗合了抽象绘画的某种形式结构，这种融传统与现代为一体的现代水墨，也让我们体验了一次历史与未来，传统与现代的交流。而他所强调的即兴发挥，提倡的返璞归真，又真实生动地诠释了他的现代创作思想。
……
曹宝泉的作品画幅巨大，从中可见其工作量的惊人，画面中处处弥漫着水墨冲动，笔线墨韵诸元素在旋转、爆发、分裂、搅拌的状态中分崩离析。可以说，曹宝泉的作品折射出了中国社会形态迅速转型，知识分子文化精英价值取向发生重大分歧的思想动态，揭示了当代社会中人的精神的飘浮不定和暧昧难测，昭示了人们在巨大的社会压力下和观念不断更新而又无所适从的窘境，揭示了当今“快餐文化”所导致的某些人急功近利的虚幻心态。这种对人性的揭示以及对社会的真实感言，为我们清晰地勾勒出了人类社会日益突出的物质欲望与道德规范及人性的脆弱等不寻常的画面。在今天，我们面临的问题是新旧纠结，盘根错节，尤其在全球化进程中，在传统思想武库中，找不到一件全能武器去全方位应对这样的尴尬与迷茫。面对众多复杂的社会问题，作为画家的曹宝泉，消解这些压力与困惑的筹码唯有水墨，只有放情于水墨世界，他才可以真情流露、灵魂显现；才可以不虚伪、不隐瞒、不回避，以这种直觉率真的方式渐趋理想佳境。水墨中的笔性与墨性的表现性与实验性在此心境中成为最好的宣泄媒介，其文化针对性亦是水墨实验的结果，正是水墨笔性与墨性的魅力是传统水墨注入当代生命活力的一个必然方式，艺术家主体精神理想性的批判性得以凭借水墨的实验性话语进行鲜活的表达。曹宝泉恰是通过视觉语言的纯粹彰显了自己的个性，并运用这种个性化的语言图式，把人性中的一种精神深刻地贯彻到了纵横交错的笔墨线条中。
（文/冀少锋，摘自《由笔性·墨性·人性看曹宝泉的水墨人物》）
【啊】
140cm×70cm 纸本水墨 2020年
【背孩子的人】
140cm×70cm 纸本水墨 2020年
宝泉先生是近几年在中国当代水墨领域非常活跃的艺术家，尤其是他的“洗澡”系列作品，我们大家都非常熟悉。在上海美术馆以及上海其他美术馆举办的几次当代水墨展览中，我多次看到他的作品。前年，我还到他的家里看到了他一些创作过程的作品，很受感动，比如说他正在起草的《民工》长卷的素描草图，我尤其感兴趣。今天展览的作品，我感觉比我想象的更出色。
这让我想起了我们二十世纪以来比较重要的几幅人物画，比如蒋兆和的《流民图》、周思聪的《矿工图》。宝泉在此之前，他一直画的《洗澡》系列里边凝聚了、浓缩了的悲剧意识，那么，这种悲剧意识不仅仅是一种悲剧，实际上是一种沉重的社会担当感。我觉得，宝泉画的是这样一种东西。那么，再转到我们今天看到的展览的作品，我觉得他又有一个新的突破。农民工形象是在我们这个社会阶层中比较少为艺术家所观照的对象。当然，其他画家画农民工的也比较多，而宝泉画的农民工，所有衣着细节都被淡化了，他仅仅通过人物的体形、面孔或者笔墨，就能够把那种真实的、对农民工很粗粝、朴实的一面，还有农民工在城市里的一种茫然感表达得很充分，这一点我感触很深。
（文/尚辉）
【地铁日记之一】
70cm×47cm 纸本水墨 2022年
【地铁日记之二】
70cm×47cm 纸本水墨 2022年
宝泉在形式上非常好地把握了一个写意与写实的关系，而在形象上也非常好地把握了一个虚与实的关系。比如他的大画的人物形象，额头、颧骨等处理得都那么硬朗，非常结实，看似很轻松、很自由，但是又非常严谨，骨子里下了很大功夫。我觉得现在的人物画越来越难画，太多的人只注重形式，而忽略了很多绘画本质的东西，就是那些当当叫响的东西。我觉得，宝泉在他的画里时不时地流露了出来。因为他的素描非常好。比如通过画素描的质感、画素描的体积感所把握到的那种感觉，时不时地在水墨作品中流露出来，很生动，很有感觉。
（文/袁武）
【地铁日记之三】
70cm×47cm 纸本水墨 2022年
【地铁日记之四】
70cm×47cm 纸本水墨 2022年
作为艺术家，宝泉他的创作实践，从传统文化的角度，包括从当代艺术、当代文化的方面都是有贡献的，这是一点；再一点，因为他具备了这种社会责任感，所有他对当代社会的关注就显得非常深刻，这是一个很高的层面；还有，从绘画语言本身，尤其是以水墨来表现当代现实中的人物，这是一个很难的课题，对于一个画家来说都是有难度的。宝泉以他非常独特的视角来表现农民工、表现藏民、人体等其他题材，体现了他对艺术的一种追求，我觉得宝泉是一个绘画能力非常强的画家，他对画面的把握、用笔，感到了他下笔的那种力度，感到了他在画画时的那种自信。我觉得他是一个非常自信的人，所以下笔非常狠，非常果断。从这个层面上讲，宝泉一个是能力强，一个是对水墨的那种体味很深刻，所以他的作品是有一定高度的。一个是学术层面，一个是作品的量。
（文/祁海峰）
【嗨】
140cm×70cm 纸本水墨 2020年
【门卫老丘】
140cm×70cm 纸本水墨 2020年
写意首先要讲究写意性，画家首先应该是要进入一种精神状态，而不是在一种技能状态。这种精神状态首先是一种对意的表达，有一种情绪，一种精神含量。画家要达到一种写意状态，首先要有一种意象思维能力，对生活有一种意象的体验和意象的感知方式，这样跟中国画笔墨语言的写意性才能够对接上。而作为人物画家，我觉得有一个难点，就是写意性笔墨在造型上的转变。从宝泉展览的画可以看出，他在早期素描上下了非常大的功夫，相对于整个展览的作品，我更喜欢这批素描，因为他的造型并不是在一种物质层面，而是在自己对人的一种理解，有当代人的情感注入。他不是在画一个具体的人，不是在一种技能环节上较劲，而是在如何找到一种语言和自己心性之间的结合点，他在素描上所解决的问题是非常有深度的。
毛笔在宣纸上表达，从力度上讲不及铅笔画素描，素描中的这种饱和度，这种塑造有很多手段可以介入，而毛笔在宣纸上会遇到许多实际问题，就是宣纸的承受力和毛笔的局限性问题。从素描进入到笔墨造型，这种转变是非常重要的。中国画的笔墨要找到一种意象的结构，也就是造型的一种结构。因为存在一个客观人物与笔墨结构的关系问题，这种关系不是素描的关系，而是一个笔墨语言的方式问题。这种方式应该与人物造型相衔接。所以，我觉得中国画的审美特征里一定要找到语言的一种结构和意象造型的一种结构，这样在表达时可能会抛弃一些物质的东西，而进入到一种精神状态，把握到一种意象的感知和意象的结构。
我觉得他这几个系列作品，肯定有他思考的深度，而且，在过程中解决了许多问题。作为一个人物画家，需要面对的一些艺术问题是挺复杂的，在某个环节上能够进入到一种状态，在作品当中能够透出一种气息来，从宝泉的这些作品中我受到了很多启发；再一个，宝泉在忙里偷闲还能画出这么一大批作品，而且，他是在一种精神体验的状态下画画，这和他繁琐的工作是不对称的。通过他的这么一大批作品，我觉得宝泉是一个非常值得敬重的哥们儿。希望今后能有更多的机会进行更深层次的交流，在艺术状态上能够相互沟通。
（文/梁占岩）
【母子】
140cm×70cm 纸本水墨 2021年
用水墨表达观念和玩水墨是两个概念。前者是艺术，后者是“把戏”。
古人所谓“出世”的思想，只是一种表象，后人不要被迷惑。其实，过去那些文人、高士之流骨子里谁也没真正“出世”，他们时刻在用另一种目光关注现实，他们只不过换了一种方式对待世俗社会，他们将现实把握得比常人更深刻，所以世人才称他们为“高人”。
水墨之“性”就是艺术家之“性”，艺术家的性情要以自然和现实社会为依托，三者为一体，这样“水墨”才能“活”起来。
以水墨表达现实，不仅需要古人技巧，更需要古人精神。如果缺少古人精神，你会感觉越画越没底气。我们这个时代太过注重古人技巧，把握古人精神往往不够，因此，古人技巧也只是学个表皮，笔墨越画越表面，越画越浮躁，所以英年早衰者甚多。
所谓“视觉艺术”就是“看”的艺术，如何“看”和“看”什么很重要。我们经常说“要用自己的眼睛看事物”，但往往真正看的时候，自己的眼睛就被别人遮住了，得到的都是别人的东西。所谓“澄怀观道”，不“澄怀”就无法“观道”，满脑子都是别人的东西，一出手都是习惯动作，自己早就走丢了。所以一定要先找回自己。不要被西方人迷惑，也不被古人迷惑，更不要被当代人迷惑。不要随大流，随大流就是奴隶。
（文/曹宝泉，摘自《水墨性情》）
【黔南速写1】
27cm×21cm 纸本水墨 2018年
【黔南速写之四】
27cm×21cm 纸本水墨 2015年
【树荫下的老妇人】
140cm×70cm 纸本水墨 2019年
【休息的佤族男人】
140cm×70cm 纸本水墨 2019年
【背】
140cm×70cm 纸本水墨 2016年
【背后】
136cm×70cm 纸本水墨 2020年
【晃】
140cm×70cm 纸本水墨 2017年
【塔尔寺早晨】
136cm×70cm 纸本水墨 2022年
素描作品欣赏
【素描写生2】
【素描写生3】
【素描写生4】
【素描写生5】
【素描写生6】
【素描写生7】
【素描写生8】
【素描写生9】
【素描写生10】
【素描写生11】
【素描写生12】
【素描写生13】
【素描写生14】
【素描写生15】
【素描写生16】
【素描写生17】
【素描写生18】
【素描写生19】
【素描写生20】
【素描写生21】
【素描写生22】
【素描写生23】
（来源：墨轩臻品艺术）
画家简介
曹宝泉，1982年毕业于河北轻工业学校(今华北理工大学)陶瓷美术专业，1988年毕业于浙江美术学院(今中国美术学院)国画系人物专业。先后任河北省美术家协会副主席，河北美术出版社社长兼总编辑，中国美术家协会民族美术艺委会委员，中央民族大学美术学院教授、国画系主任，首都师范大学美术学院外聘教授，中国美术家协会会员，中国国家画院研究员。主要从事当代水墨人物画的创作研究，作品多次参加国内外重要学术展览，出版有《曹宝泉作品》(上下卷)、《21世纪优秀艺术家作品集·曹宝泉卷》《画品丛书·曹宝泉篇》《大意之象·曹宝泉戏墨集》《心路历程——21世界水墨艺术家创作探究系列·曹宝泉卷》《人体素描教学研究五讲》《高校名师教学·曹宝泉古典写意人物画研究》。先后在《美术》《美术观察》《中国美术》《中国艺术》《画刊》等国内多家专业学术杂志及多家网络微信平台作专题介绍。
