艺术中的温暖：母亲是世间最伟大的存在

《卡米尔·莫奈和她的儿子简在阿让特伊的花园里》 布面油画 50.5 x 68cm 1874

《卡米尔·莫奈和她的儿子简在阿让特伊的花园里》是法国印象画派的著名画家、雕刻家皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿绘制的画作，莫奈的妻子卡米尔经常为他做模特。这幅画作就绘制于这种情景下。
画面中是卡米尔和莫奈的儿子坐在草地上的情景，旁边还有一只公鸡，这是十分可爱而且真实的场景，卡米尔穿着白色的裙子，被雷诺尔用斑斑点点的笔触描绘了一个温馨的场景，背景是绿色的草地堆叠，左上角露着一些红色的花。
当许多印象派画家专注于风景时，雷诺阿却在亲密和坦率的时刻描绘人。雷诺阿的作品也以其明亮的光线和色彩而闻名。

《午餐前的祈祷》布面油画 49×38cm 1740

《午餐前的祈祷》是夏尔丹风俗画的代表作。这是一间不算宽敞的家庭厨房，母亲正在往餐桌上摆放餐具和食物，桌子旁边的小女孩却一脸懵懂，母亲望向她的眼神关切而温暖。

母亲的红色上衣带动画面温暖的色调展开生活的主题，蓝色的衬裙配合色彩关系和冷暖变化营造沉稳的视觉效果，儿童白色的衣裙与洁净的台布衬托出轻松温馨的感觉。

人物在矩形的构图中连成稳定的三角形结构，充满视觉的安定和满足感。整个画面温和而内敛，充满恬淡隽永的感染力。

《母与子》布面油画 92.1×73.7cm 1907

这幅《母与子》中洋溢着满满的爱，小孩子刚刚沐浴过，正拿着一面镜子梳妆着。同样是大手与小手的对比，有力托举与无力把握的平衡和维系，不仅有温情，而且让观者心生一份安详，这正是大人可以传递给小孩子的一份依靠，在幼小的心灵滋生出妥妥的安全感。

画面的构图可以显出卡萨特作为一位女性特有的观察力，母子都手握镜柄照着，而一侧的一面更大的梳妆镜，恰好把这一刻母子协作照镜子的模样映照的明白。在画中另有几处细节，仿佛更能令人感受到卡萨特随性宽容又有序的生活态度，一点不容置疑。

母亲很庄重的发型，和着一身端庄的礼服，分明这是要赴宴的情况，却还能够不紧不慢地与孩子借照镜子的一刻，享受着嬉戏时的甜美，丝毫没有要赶时间的催促，对孩子的举动没有制止，没有避让，更没有责备，而是随之而动，有意托助，任其游戏。

闫平的母与子画作中有几样素材是必不可少的:座椅沙发、花瓶鲜花、画架屏风、画布颜料等等每个画家都会习以为常的日常事物，却经过门平的生花妙笔有了精灵般的生命，成为印证母子亲情的必备之物。母子与生活、绘画用品错落穿插组成了和谐饱满的构图。

画中的母与子动态灵活多变，人物或居于画面中间突出位置或局部隐藏在空间构架之后，人物姿态的展现强调自然随意的情感交流，或近或远的距离并没有减弱脉脉亲情的传递。她用看似随意的多样性构图将日常生活的细枝末节娓娓道来,真切的场景被赋予了绚烂美妙的生命力。

《母亲像》 布面油画 40×32cm 1888

我尝试从各个侧面来看梵高的母亲画像，意想不到的是，我发现他母亲的眼神，任何一个角度都在看着我，这让我惊讶，让我想到梵高最后完成这幅画的时候，他是不是有意设计了一个秘密，在母亲的瞳仁里，他要放置怎样的感情和思念，要怎样表达来自于母亲单纯善良的爱与关怀。

梵高着意描述的母亲，处于一种平和舒服的绿色背景里，而深棕色的衣服，构成了一个女性关于生活本身的理解，在日常事物之间如何持续地表达慈悲的力量，这个世界上，只有母亲才会做到。这一力量的实现，不是母亲自身的多么伟大，而是像后来的德莱莎修女说的一样，每一件小事情上都呈现出来真正的爱，于是，生命因此而伟大，令人尊敬，值得缅怀。

《惠斯勒的母亲》布面油画 162×144cm 1871

1871 年，已经小有名气的惠斯勒，为 67 岁的母亲，画了这幅肖像。正是这种血缘情感上的密切关系，使母亲常成为惠斯勒描写的对象。也只有母亲，才愿意这样为孩子静静不动数小时。

我们在画面上看，它确实是一副把黑白灰利用到极致的画面。首先是母亲的衣服，用了大块平整的黑色。为了让黑色更沉，画家甚至牺牲了衣服本应该有的那些细节。它看起来就像是一块单纯的颜色，通过三角形的构图，非常稳定的控制着画面。

接下来是灰色。左侧的门帘，地面、墙面、几块不同色度的灰色，让本来单薄的画面，变得丰富和立体起来；最后是白色，几乎是画面的点睛之笔。别看它不多，却让整个阴沉的色调，一下就变得通透了。

惠斯勒更加关注母亲的整体造型。那挺拔的身体，是母亲用优雅去对抗岁月最好的证明。即使已经苍老，也不会被时间压弯了腰；还有那身穿着，用黑白素色，稳重中透露着她的洁身自好。她的眼睛直视前方，看起来非常坚毅。

《春蚕》布面油画 200×134cm 1983

罗中立的《春蚕》，画面中看不见人物面部，留下金丝般发亮的老母亲的银发以及布满干瘪皱纹的额头。烁烁的银发虽无尽凄美，也开阔出人性中最为可贵的光芒。罗中立细腻的笔触中，充满了对老母亲的深情厚意与无尚崇高的致敬。

母亲身着最为普通的深海般蔚蓝而沉静的布衣，卷起袖肘，一双任岁月磨逝而黯淡枯草的手却显得无比灵巧，绿色的蚕叶，灰绿色的春蚕以及在光影投射下又与银色发丝、深色的手、浅色的蚕面自然融入又独立的黄绿色的簸箕，塑造了和谐成功的、具有东方意蕴的光影色彩画面，夺人视觉，强烈而震撼。

尤为出彩的就是艺术家对人物的深刻理解与深情刻画，不仅在光影色彩的构图上，也在肖像性格与情感以及人生哲理的本质上。

《麦当娜和孩子、天使们在一起》 素描 1465

乔托是第一个将圣母世俗化的画家。在他笔下，麦当娜有了母亲的神情。他之后，早期文艺复兴画家利皮更进了一步——他直接将圣母画成了爱妻的模样。

那个温柔的侧脸无疑是爱人眼中的模样。这种美并不能摄人心魄，却能使灵魂安定。一旁胖乎乎的小耶稣（小利皮）向温柔的妈妈索要拥抱。因为有了人间的爱，利皮的“圣母”不再高高在上、难以接近，纵使她肩负着不凡的使命，她依然有权利体会拥有孩子的欢欣和失去孩子的伤痛。

《拿着书的圣母子》油画 1502-1503

圣母画像是拉斐尔重要的作画题材之一，作品数量众多。圣母在中世纪的绘画中表现为木然，但是笔下的圣母肤色红润、年轻漂亮，将善良、纯洁和美丽渲染得淋漓尽致，形成了人性化、完美化、偶像化、民间化四大特征。

所以说，当圣母遇到拉斐尔，实现了完美的转身，从神还原为人，有血有肉的人，让观者感觉可亲可敬。在拉斐尔过去创造的圣母中，总是极力追求美丽、幸福、完好无缺、更多地具有母亲和情人的精神气质和形象。

《圣母子》 99×80 cm 

年幼的圣婴躺在母亲怀里；手里用线栓住一只金翅雀（金翅雀是基督受难的象征，因为这种鸟在荆棘丛中哺育幼鸟）。

而圣母手托着头，仿佛已在休息中，却仍不舍得让自己沉睡，打起精神关照孩子，这像是我们的母亲一般，在她的头顶后透出的黄色光晕象征她的神性，但这其中体现出的爱心与责任正是画中最美的部分。