进入综合材料绘画创作领域，与我而言，是观念、感受全面“打开”，认识、实践持续调整与深入的过程。感受材料物性，构造个人化的形象语汇；理解“笔意”、拓展对“画意”的认知，构建完整独特的画面境界；是我孜孜以求的创作目标。
“物”的重识
多年前外出写生时，面对历经百年风雨的老建筑，我就有过这样的感想：用绘画手法再现白墙黑瓦马头墙，就一定是表达历史古镇风采的最佳方式吗？是不是还有其他表达因素是在传统绘画体系中缺失或忽略的？闭上眼睛，古镇老屋斑驳凹凸污损的墙面在脑海不断闪回，赤裸裸的物质肌理及其身负的历史承载，让我突发奇想：若将墙面原封不动搬至展厅，不是更能体现老镇的古旧质朴的形态气质吗？
星际争霸80 X 60
其后在尝试使用多种材料的绘画实践中，泥沙堆砌、叠加、剥离中偶然产生的视觉效果，唤醒了当年的感受，对材料自身的关注也顺理成章地成为我思考和实践的课题。对材料的认识、理解，我从物质属性、视觉特性及其在特定画面语境中精神荷载这些维度介入：材料的物质属性、视觉特征在画面制作和表达上的作用不言而喻；而材料自身的语汇及其在作品中的隐喻，是材料绘画实验当中最为有趣的部分。
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东方物质观，素有对物质人格化与象征性倾向，如“君子比德与玉”、“竹有七德”，诸如此类，皆有这种倾向；受此影响，我在材料选择和应用中，多少也关注到材料自身的文化意蕴。
泥土、石膏、麻布、纸板......，这些材料温暖、朴素，有种与土地相连的踏实感，是我的偏好。粗砺到细腻，从直接附着到肌理转印；从材质的丰富到应用手法的多样；材料既是画面的组织因素，又在画面当中展露材料自身特质。经由堆砌、打磨、覆盖、剥离等方式的多重制作，“物”最终确立为画面中的特定角色，而不是概念化的象征。如同戏剧排练中对角色的反复质疑和确定，在认识演员过程中塑造了角色。
蝶舞 60X40
在我的理解中：材料应用是在对其自身物质性及视觉属性的组合、转译和重建当中对特定精神语汇的再定义和重新阐述，确立其独立的审美价值。这也是我对综合材料绘画创作认识的起点，我的创作实践也大多于此相关。
“象”的再造
“象”，除却客观形象指涉，也包含对对象的感受。
反思过往的创作经历：纯粹追求观念与技术手段容易使绘画成为教条与图解；单一强调视觉效果有沦为笔墨游戏的危险。
材料介入，赋予了造型的新视角，为“有感受的造型”提供了不同路径：材料并非特定形象的装饰，材料介入是对原有造型体系的解构。在材料并置造成的画面冲突中，固有形象一次次被打散；材料形态对表述欲望的约束和限制不可避免；固有造型体系无能为力，奉为圭臬的构成法则捉襟见肘。
静寂山居180x160
综合材料绘画中的造“象”，既不能忽视材料自身的形态，又必须对自然物象在画面的表达提出自己的方案。在材料与画笔的双重作用下，形象在材料和感受双重挤压中被重新塑造；有顺利时顺势而为的意外惊喜；但更多时是不得已的逆势而动，在不断地重塑、建构和翻转后，形象在“绝境”寻求重组和突破。而重构如同是戴着镣铐舞蹈：地心引力的限制造就了舞者更有力量、更超乎想象的倾诉。
由此所造之“象”，始于自然，归于画面。沉着痛快，也暗藏数度反复；凝滞处，更是在“夹缝”中的左冲右突。造型，是与材料共舞中形象感受的呈现，是挤压当中的抉择、再造和重构。
清风 180cm X 170cm
《清风》之荷，源于对自然之荷的印象，却是在材料肌理共舞中的争、让，进退中的形态呈现，是制作中的率性而为，更是思虑当中的反复适合。此处之荷是对自然之荷感受的重新呈现，其中饱含的由近及远，进退两难、反复调试的纠结，与我也是种可贵的体验。
“意”的转译
尚“意”，并非有意。
创作实践中，我一方面寄希望于拓展原有架上绘画的创作方式，另一方面对古典东方绘画精神的追求趋于自觉。“笔意”、“画意”“意趣”，带有东方色彩的词汇更多成为审美判断的一种依据。
剥离传统绘画的技法体系，从传统美学当中汲取养分；在尝试理解传统“物质观”的基础上，对传统艺术中的诗性表达进行现代性转译和重构。“笔墨”之与“色彩”，“气韵”之与“结构”，“经营”之与“设计”，从个人的体验来说，将“意”当做沟通纽带，中西方知识体系在创作中得以兼容，也为个人化的绘画语言探索提供了一种新的可能。
鱼戏莲叶间180X160
“意”同时意味着语义的丰富性和指向的复杂；这也是我借以避免进入概念化，避免使绘画成为视觉图解工具，保持画面的创造与活力。
在我以荷花为题材的作品创作当中，荷花的花、叶、莲蓬，经由整体画面的组织，点线面的架构，肌理材质的交叠，形成“带有笔墨意味”的综合材料绘画作品。这种创作实验着眼于综合材料绘画表现手法与民族审美传统的融合，并努力创造传统诗意、具有当代文化特质的视觉表达形式。
“境”的营造
画面最终的呈现，总会与预期有着或多或少的出入。这种遗憾也带给我不同的体验；让我对创作的指向有了更多的思考。
我希望达成的创作理想是：在自然、观念和表达间找到与感受的契合，赋予画面以自我精神意识和超然感受，以获得的“自我呈现”以及“表达自由”的图式和空间，创造包含个人生命体验的艺术作品。
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必须承认，这并非易事。我试图用西方抽象语言营造“不似之似”境象，尝试东方传统符号在画面的嫁接；理念先行固然方向明确，但关注观念的过程也容易丧失绘画的原初动力；或囿于概念，或流于形式，这种方式在我身上得到的结果与理想颇有距离，应该不是最适合我的创作方式。
而我将视野转向材料时，多样的材质和繁杂的制作过程让我进入不同以往的创作状态。从我自身体验来讲：材料的解读、实验、调整的过程，是我通往我理解的“理想之境”的路径。而在与材料对话的过程是种有趣的体验，对我来说是非常个人化的“理想”工作境界。
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具体而言：把材料用不同的方式在画布上置放的时候，或清晰或混沌的画面开始在渐次地否定当中逐步建立。这是“无中生有”的过程，叠加、覆盖、调整、重建......，不一而足，也使人乐此不疲；而同时，另一个在头脑中酝酿的画面在“清晰-混沌-清晰”的来回调整中逐步充实。两个画面间直至最终也很难完全重合；但对“理想之境”的反复追索和接近的过程，却时时带来不同的心理和审美体验；甚至，这是比结果更加重要的过程。
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经常到访工作室的朋友，会惊诧于同一幅作品在短期内面目全非；偶然我也会因原本完整的画面贸然改变而暗生遗憾。调试和匹配感受的过程本身就是不断否定、不断建立的过程；或许这也是“理想境界”的组成部分。每每看到最后“完成”的作品，平静、有序，甚至还能显示出一些从容；不禁会回想起中间经历的一次次临近崩溃的冒险与改动。有时，我会一厢情愿的希望：或许会有观者在看似平静的画面中看到我曾经的纠结和努力，象看刚出锅米线不冒一丝热气的表面。
近期作品面貌构成，与题材选择有关，与语言运用有关，与审美倾向有关。东方传统哲学的心性观的启发，让我能坦然面对自己感受；对东方文化意涵的憧憬，引导我自觉不自觉地追求疏朗、旷达、厚重的画面境界；这并非出于概念，更多的可能是文化身份使然，或者说，是深藏基因里的一种倾向吧！
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选择综合材料进行艺术创作，是创造材料的拓宽，是工作方式的改变，是创作观念的“重启”。材料认识和理解，形象的塑造与构建；审美的调试与改变，画面的解构与重建；凡此种种，都需在实践中反复试验和验证。
而在自由与约束之间，是懈怠还是突破。“耐性”成为主角，即便构想成熟，方案完整，制作上还要反复推敲、打磨，经过长时期的肯定、否定、再实践、怀疑、焦虑、痛苦、坚持，才在材料与形象、观念与意境纠结取舍中获取平衡；这是画面不断推倒后的脆弱重建，也是我几乎所有创作的必经过程。（文/舒锦宏）
画家简介
舒锦宏 ，1972年出生于浙江省缙云县，副教授，硕士研究生导师，1992年毕业于浙江师范大学艺术系美术专业，1996年结业于中央美术学院壁画系研修班，2016年浙江师范大学意象表现工作室高级访问学者。现任职于丽水学院，中国美术家协会会员，丽水市美术家协会副秘书长。作品《江南可采莲》获“浙江省第十四届美术作品展”浙江美术奖优秀奖；
作品《方·圆》入选“第十三届全国美术作品展览”；作品《清风》获“可见之诗—第三届中国油画风景作品展”优秀奖
