表达真实的“我”——青年画家刘明的艺术实践

无论理论多么深刻与复杂，无论困境多么艰辛与多变，但是当我们进行艺术实践的那一刻，仿佛一切都渐渐明朗：每当拿起毛笔作画的时候，画家的脑海中浮现的是千百年来形成的完善笔墨技法系统，可是作为今天画家的“我们”不可能拿着现代的毛笔，坐在宽敞明亮的现代化的画室里来重复着数百年前画家的“皴擦点染”。如果这样仿佛对不起呼吸着的新鲜空气，失去了当今我们作为画家的意义。即使画出来作品也不像是当代“我”的作品而犹如一个印刷的机器。另一方面，生活中受过传统熏陶的我们又不会抛弃传统山水画中的核心内涵——笔墨精神，否则当代水墨山水画又会成了“断线的风筝”。我们唯一能做的就是要表达出当今真实“我”的状态，用当代的山水画笔墨语言来表达当下真实的社会状态。

在进行一些尤其是尺幅比较大的作品之前，我会进行认真的思考：创作的思想表达、笔墨的处理、具体景物的安排等等。有时创作是一个时期思想的总结，想要表达一个什么精神。作品的构图不是固定的，我会用草稿不断思考、改变，或者变换画面的结构，或者内容，或者形式。但是到真正画的过程当中，这个稿子也不一定能用到。草稿是创作前的备战，这个过程会促使我的创作感悟凝聚在一起，使得创作的思路更加清晰明朗。在创作过程当中出现很多偶然性的时候，我会联想到这些草稿中有用的内容。

创作开始前，我不打炭笔稿，起稿会对我的用笔用线产生束缚。而是从画面的一个点上起笔，就好像故事的开端一样。这个点就是我进入整个绘画意境的一个门户，开始把其他景物慢慢而推理出来。在这个过程当中，可能很大程度上和开始设计的构图是不一样的。因为创作有时候会持续一个两个周，甚至是一个月。那么在整个过程当中，思绪会有一些变化，会有一些新的思考，或者融入了新的想法，这就是绘画中的偶然性。这种偶然性是十分关键的，它使我的作品保持一种灵性和纯真。

创作的过程中，有时我感觉压力特别大，或者特别的累。我庆幸自己有这么一种压力，因为我每一张创作都想和以前的作品拉开距离，要表达出不同意境和思想。也就是说，从整体来看，每几年作品会产生一个大的变化，今年和明年的作品也会产生些小的变化，这是艺术家艺术创作的轨迹。具体到每幅画当中，我不愿意重复以前的作品。这种创作习惯防止我在绘画过程中产生一种套路，套路对艺术创作是有害的。艺术家风格的形成不应有固定的路线，应该像滚雪球一样，雪球的内核就是艺术家要表达的核心思想，随着你的阅历和经验的不断增加和变化，雪球的外延是不断扩大的。因此，艺术创作应该是开放性的，积极吸收其他的一些艺术或者事物的优秀因素，使创作不断的向前走。（刘明）