徐志广：自然对我来说是一种生命的咏叹、一种灵魂的启示

▲《海边的岩石》 布面油画 150 × 200cm 2020

▲《夜晚的海滩》布面油画 100 × 190cm 2020

记者：创作自然相关的作品时，现场写生是常事。走向自然、身处自然对您来说，意味着什么？您如何理解自然？

徐志广：当我走进自然，面对浩瀚的原野、辽阔的大海、怒放的花丛和披雪的高山时，心中总是充满了感动。自然对我来说是一种生命的咏叹，生命在这里自由地生长，哪怕是一株纤细的小草也在不顾一切地冲破束缚迸发出勃勃的生机；自然对我来说也是一种灵魂的启示，那些拔地而起的高山和层层叠叠的海浪，时时刻刻都在诉说着亿万年来世事的变迁，指引我去追问、去思考。

▲《雪夜山行》布面油画 200 × 300cm 2022

我喜欢直面自然进行写生，一方面是为了表达自然带来的那种最直观的视觉感受，吸取那些鲜活生动、富于变化的景物给予的外在营养；另一方面是为了激发自身对于自然万物的一种感悟和思考，透过事物的表象看到内在的本质，并提出自己的见解、观点和态度。

▲《独行》 布面油画 150 × 180cm 2015

我的很多创作都是在写生的过程中得到了启发，进而发展成为了创作。自然万物太过浩瀚，身处自然现场写生的时候必然要进行选择和取舍，我选取了那些最契合自己内心的对象来表现，不面面俱到，不落入客观再现的俗套，在画面中注入艺术属性和独特思考。

▲《龙门》 布面油画 150 × 200cm 2021

▲《夜山》150 × 200cm 2023 

记者：在创作水彩和油画过程中，如何理解不同媒介和材质？当水彩作为主要创作媒介时，有什么不同的体会？从中有哪些感悟？

徐志广：材质的不同，往往会带来很不一样的画面效果。我在画油画的时候会喜欢反复着力。虽然在一幅画里面我会有意识地把某些地方画得很薄，甚至裸露出画布，但大部分都是很强劲、很厚重的笔触。我反复叠压，追求一种结实有力的效果。而水彩这种材料要求艺术家不能反复改动，画面要求很强的控制力。这在一定程度上大大限制了我的表达能力。

▲《海边的少年》纸面水彩 2021

▲《古塔公园的杨树林》 纸面水彩 2021

但是，我觉得这种限制或者说是有克制的表现，有时候反而恰恰是我需要的，促使我仅提练画面语言，把最想说的话画出来，去掉那些细枝末节，最终达到了一种单纯、率真、空灵的艺术效果。

▲《running》 纸面水彩 2019

▲《山路》 纸面水彩 2021

当不同材料的作品放在一起对比的时候，我会反思哪一种材质更适合于表达哪一种主题，实践多了就会找到自己最需要和最适合的绘画语言。比如说，我画大梨树的时候，为了强调夜晚中梨子的那种耀眼的亮黄色，我便尝试用丙烯作画，因为油画颜料达不到那种荧光色，呈现不出我想要表现的画面效果。因此对于媒介和材质方面我最大的体会是不要被材料所限制，最重要的是表达自己的想法和触动内心的东西。多尝试、多探索就会有收获。

▲《月光》 纸面水彩 2021

▲《踏雪》 纸面水彩 2021

记者：随时、随地、随手创作是怎样的一种状态？这种创作状态带来了什么？

徐志广：这种随时随地的创作状态现在已经变成了我的日常，不管是长途游历，还是近郊旅行，我都会带着水彩本、速写本或者是油画箱，随时随地停下来看一看、画一画、想一想。这种随手创作的一种状态不是单纯的记录，而是把当时最敏锐 、最深刻的体验表现出来，之后无论是不是继续进行大的创作还是保留这些小幅写生创作，当时的那种生命的鲜活感和强烈的现实体验不会轻易消失。因为有些地方你可能一生只会去一次，有些景象错过了就不再重现，在现场简单的勾勾画画和回到工作室对着照片画，感受力是截然不同的。面对真实的场景和情境，此时此刻的感觉和触动是无比珍贵的，也是稍纵即逝的。

▲《大雪》 布面油画 150 × 200cm 2021

这些细碎的东西是经过日常大量的积累和沉淀，最终转化为自己的表达，给以后的创作提供无限的可能。比如我的作品《苍穹之下》，表现的是夜晚下，大片的向日葵田。最近几年间，我陆陆续续画了好多幅黄色调的花丛小稿，但是最触动我的是那大片的葵园，最终的创作就是从一幅20厘米的水彩稿出发，进而形成了6米的大画。

▲《苍穹之下》布面油画  200 × 300 × 2cm 2023

▲《向日葵》 纸面水彩 2022

记者：我注意到您作品里有很多是人物背对着画面的，耐人寻味，您给他们这样的设定是基于什么创作目的？他们看向的又是什么呢？

徐志广：这实际上是我刻意而为的，因为我希望借用一个模糊的形象来代替我去观察自然、观察宇宙万物，不管是在白天还是在夜晚。采用这样的一种处理方式，是想描述一种带有普遍性和共性的人物的状态，这些人可能是我，也可能是他，是具有很强指向性的一类人、这个时代的人的状态。他们在面对大海、宇宙、雪山、夜晚时，会产生一些人生的感悟、体会和思考。我把这些“小“我放在一个时代背景很宽泛的人群当中。他们和我密切相关，可能是泛指，也可能是特指，把我对时代、对万物的思考通过他们的背影表达出来。

▲《蓝眼泪》布面油画 150 × 200cm 2020

画面中这些人的原型有些是我自己、有些是我亲近的人，也有一些是与我素不相识的人，但是这些形象都和我息息相关，因为他们都是我很想成为的那个人，处在我希望的那种状态，反映着我自身对这个世界、这个宇宙的关怀和爱，传递出我的一种思考和追问。

▲《冰》布面油画 150 × 200cm 2020

记者：图像信息对于您的创作来说，代表着什么？同时起到怎样的作用？

徐志广：我们正处在一个图像异常丰富、瞬息万变的时代，这些图像信息带给我们创作上的很多想法和灵感，但同时也会影响你的思考，很容易被它们牵着鼻子走。

▲《山林春晚》 布面油画 40 × 50cm 2010

对我来说，我的创作离不开图像，离不开照片，但是我更多的选择是自己收集第一手图像资料，因为那是自己亲身体验过的，已经成为记忆里面非常深刻的一部分。如果图像不能带来刻骨铭心的记忆或激动人心的体验，而生硬地加到创作中，很难创作出打动自己、触动别人的作品。好的作品应该是适度借鉴图像信息，不能过度依赖，不能生搬硬套，最终要加入自己的思考，表达人的情感，震撼人的灵魂。

▲《江雪》 200 × 300cm 2017

▲《梨花千树雪》 布面油画 200 × 300cm 2018

▲《秋之赋》 200 × 300cm 2021

记者：苹果树经常在您的作品中出现，这一形象意味着什么？寻找苹果树的过程中又有怎样的经历？

徐志广：苹果树是我已经画了20多年的题材，现在还在创作。苹果树画到现在已经不单单是一种树木，而是慢慢变成了我自己的化身，我通过这个形象抒发自身的情感。随着年龄的增长，阅历的加深，我对生命的理解也不同以往。我从苹果树身上看到了一种坚韧不屈的精神，感受到生命的轮回和伟大，春天的苹果树百花怒放，到秋天满树硕果累累，再到冬天树叶掉落后的沉寂和积蓄，我感受它们身上那种强烈的生命力和奋发向上的精神。

▲《苹果树的春天》布面油画 120 × 90cm 2022

我为了创作苹果树，去过很多地方，在观察和感受美好的同时，也体会到生命的不易。有时遇到熟悉的苹果树成片的消失，不禁发出沉重的叹息，体味到生命的无能为力。但是苦痛和伤感何尝不是一种生命体验呢？苹果树的兴衰历程正如人类的发展，在无数的生死轮回中不断前进。

▲《春晴》布面油画 100 × 80cm 2023

记者：本次展览取名为“昼与夜”“对照”或者“对比”对您意味着什么？您又是如何理解昼夜更替的？

徐志广：把表现昼与夜的作品并置在一起，的确会形成一种鲜明的对照和对比。白天带给我们的直观感受是阳光灿烂、生机勃发，夜晚则让我们感觉到神秘浩瀚、不可预测。

昼夜的更替本是一种普通的自然现象。与我而言，昼与夜带给我的是不同的生命体验，白昼让我感受到活力和热情，创作的关注点更多的倾向于表现客观现实的存在；夜晚让我体会到宁静和孤独，创作的重心自然而然地放在了内心的精神指向性表达上。

我们所处的这个时代发展迅猛，现实世界的高速发展和蓬勃景象，是不是都是我们所需要的？我们的内心是否获得了安宁？白天我们衣着光鲜地游走于复杂的社会关系中扮演着什么角色？夜晚安静下来独自一人的时候，是不是能够更好的倾听自己内心的声音？

昼与夜的创作是我关注外在到关注内心的一个过程，一个从外观到内观的过程，是一个不断反思和追问的过程，我在里面倾注了梦想。

记者：这次展览结束，短期内有什么计划吗？

徐志广：展览结束后，我想短期内会做一些休整，放空自己、梳理自己、反思自己，然后重新出发。

展览期间，我收到许多反馈。面对同一件作品不同的人给出了不同的解读，有人肯定、有人赞赏、也有人质疑。我想这恰恰是艺术的魅力所在，艺术本来就没有一个标准的答案。之后的创作方向，我想会更独立、更精准、更凝练、更触动人心。作品数量应该会大大减少，做一些更加有效的探索，减少无谓的重复。我会重新审视这个世界，近在咫尺的和遥不可及的一切都弥足珍贵。

▲《夜的山》 纸面水彩 2018

▲《夜长城》 纸面水彩 2021

▲《玉米地》纸面水彩 2021

▲《黑夜眺望》 纸面水彩  40 × 30cm 2021

▲《车窗》 纸面水彩 2016

▲《雪夜站台》纸面水彩 2022